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“Netnography”


“Netnography”.

 

“Netnography”

Originalmente publicado en Blog SPMI:

Relativamente recientemente se ha popularizado el término “netnography” para denominar la investigación etnográfica online. Uno de los asuntos que se han planteado es que no existen grandes diferencias entre la vida online y la vida offline por lo que pueden ser aplicadas las técnicas de la etnografía para investigar la dinámica de los grupos online, el desarrollo de comunidades virtuales, construcción de identidad online, etc. Kozinets es conocido en el área de mercadeo por reclamar esta línea de investigación (ver http://www.etnografiavirtual.com/2011/12/26/la-netnograf%C3%ADa-de-kozinets-la-revoluci%C3%B3n-en-los-estudios-de-mercado/ ).

¿Cuál es tu posición al respecto de la diferenciación online/offline y la posibilidad de aplicar métodos etnográficos al estudio de lo social en los espacios que provee el Internet?

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El “Lugar” como el espacio de la acción, transformación y resistencia


El “Lugar” como el espacio de la acción, transformación y resistencia

Publicado el septiembre 15, 2013|

El lugar no es sólo una escala geográfica, o un sitio,  es el espacio vivido, el de la cotidianidad y de la contigüidad, es el espacio tangible y “sigue representando el ámbito principal de experiencia para la inmensa mayoría de las personas” (García, 2006:58). No es un fragmento del espacio, sino la totalidad en movimiento, que a través de los acontecimientos y vectores que lo cruzan (así como los que no recoge) se constituye como una manifestación particular del espacio global. “Cada lugar es, a su manera, el mundo […] el mundo se encuentra en todas partes” (Santos, 2000:268). Es el resultado de la tensión constante entre lo mundial que empuja y la especificidad histórica de lo particular, es manifestación presente de pasado e historia, así como de esperanza de futuro.  Al ser el lugar espacio de contigüidad, la política se territorializa (de manera divergente, contradictora o enfrentada entre los distintos actores y grupos), y así en el lugar se forma la conciencia.

“El Lugar –no importa su dimensión- es espontáneamente la sede de la resistencia, a veces involuntaria, de la sociedad civil” (Santos, 2000:218). En el lugar pueden emerger contra-racionalidades y racionalidades paralelas ante la racionalidad hegemónica; “el orden universal frecuentemente presentado como irresistible es, sin embargo, enfrentado y afrentado, en la práctica, por un orden local, que está dotado de un sentido y señala un destino” (Santos, 2000:22)Contrario a la idea generalizada, la globalización no homogeniza los lugares, al contrario, los diferencia bajo la racionalidad de `ventajas comparativas´; cada espacio de la globalización contiene cargas distintas de contenido natural, técnico, informacional, comunicacional, inclusive humano y cultural (que también son sujetas a la mercantilización),  “esto responde a la exigencia de mayor seguridad y rentabilidad para capitales obligados a una competitividad siempre creciente. Ello conduce a una marcada heterogeneidad entre las unidades territoriales” (Santos, 2000:209), creando lugares `conectados´, exclusivos o de exclusión, y lugares `desconectados´ o excluidos a la red globalizada (neoliberal).  Los primeros son enclaves de la globalización, que intercambian mercancías, inversiones y ganancias entre sí; son los lugares que la globalización ha territorializado en muchas partes del mundo, donde son evidentes los beneficios que la globalización tiene para quienes pueden acceder a estos espacios.  Los lugares excluidos o desconectados, que son la mayoría, son los que no tienen acceso a los beneficios de la globalización y en cambio padecen sus atropellos y consecuencias, son los lugares donde se da la explotación, el saqueo y el vertedero de los desechos de las sociedades de consumo; por otra parte son desde estos lugares donde emergen las resistencias y alternativas, donde surgen los movimientos sociales y se imaginan otras narrativas, se habla con otros discursos y se crean otros mundos. En palabras de Arturo Escobar (2008) son espacios de diferencia, y en palabras de David Harvey (2000) son espacios de esperanza. Son en estos espacios de diferencia y de esperanza desde donde surgen las alternativas y la innovación social, a la aparentemente irresistible globalización neoliberal. Son donde surgen las economías alternativas y solidarias, los mercados de productos locales, orgánicos y justos, donde la gente cosecha su propia comida y recupera sus espacios públicos, donde se crean empresas sociales, cooperativas y asociaciones, donde surgen medios libres y expresiones artísticas locales. Todas estas son acciones subversivas y antisistémicas, pues le da al sistema donde más le duele: en el bolsillo y en las conciencias; así, no hay mejor expresión de rebeldía contra el orden global que apagar la tele, bajarte del coche, caminar por tu barrio y comprar productos locales en negocios pequeños de gente del lugar.

vía El “Lugar” como el espacio de la acción, transformación y resistencia.

Finaliza programación especial de conmemoración de 40 años del Golpe de Estado


Finaliza programación especial de conmemoración de 40 años del Golpe de Estado.

Memoria e Imágen Chile: Breve Imaginería política. Plano del sitio


Memoria e Imágen Chile: Breve Imaginería política. Plano del sitio

Chile: Breve Imaginería política. 1970 – 1973 tiene hoy más de ocho años de existencia. Durante el año 2000 se publican por primera vez en internet documentos como el programa de la Unidad Popular, reproducciones de afiches y fotografías de murales, discursos de Salvador Allende, y numerosos otros documentos y testimonios gráficos de una de las experiencias políticas más relevantes de la segunda mitad del siglo XX.

Chile: Breve Imaginería política. 1970 – 1973 es el resultado de cerca de veinte años de documentación y recopilación. Disponemos hoy de un importante archivo de fotografías, de diapositivas y negativos originales. Materiales en buena parte cedidos por sus autores. Son numerosas las personas que de una u otra manera se han implicado en este proyecto que vió sus inicios en Chile mismo a fines del año 1973.

Desde su aparición en internet el proyecto y el sitio no han dejado de ampliarse. Las contribuciones en documentos son regulares, y las promesas de colaboraciones …numerosas.

Chile: Breve imaginería política es un proyecto producido, financiado y realizado únicamente con los aportes y recursos de las personas que lo han hecho posible.

Las fotografías de murales y pinturas de este sitio : Su reproducción es libre únicamente para entidades no comerciales. Debe acompañarse con la cita explícita de la fuente y enlace activado correspondiente :
Chile, Breve Imaginería política 1970 – 1973 — http://www.abacq.net/imagineria/

Como señalado más arriba, los autores de una parte considerable de las fotografías publicadas no son anónimos y han donado sus trabajos o parte de él. El acceso abierto a la información en internet no debe traducirse en una pérdida de sus derechos.

Para mayor información contactarnos


Sexo habitual y matriarcado: las claves para la paz social

Alberto Sicilia

Asturbulla, 01-12-2012

“Los hombres recurren al poder para resolver sus problemas de sexo. Los bonobos recurren al sexo para resolver sus problemas de poder”

Isabel Behncke es una antropóloga de Oxford que estudia el comportamiento de los bonobos. Junto con el chimpancé, el bonobo es la especie evolutivamente más cercana al ser humano.

Los bonobos conviven en las sociedades más pacíficas observadas entre los mamíferos. ¿Su secreto? El matriarcado y los altos niveles de actividad sexual.

“Los hombres recurren al poder para resolver sus problemas de sexo. Los bonobos recurren al sexo para resolver sus problemas de poder”.

Estos primates constituyen la única especie animal que practica las mismas actividades sexuales que los humanos: besos con lengua, sexo oral y coito macho-hembra, macho-macho y hembra-hembra.

El sexo juega un papel fundamental en la cohesión de sus sociedades: cuando se presenta un conflicto (por comida o por poder), los bonobos recurren al sexo entre los contrincantes. Por eso, los niveles de tensión siempre se mantienen muy bajos.

Aunque las hembras son físicamente más débiles que los machos, ellas dominan sobre ellos porque forman fuertes grupos de alianzas femeninas. El interés de la hembra no es sólo la supervivencia de su hijo, sino la supervivencia del “hijo de su hijo”. Por eso, estas sociedades matriarcales fomentan la construcción de redes sociales muy amplias y cohesionadas.

Quizás tenemos algo que aprender.

P.D.- Este humilde blogger tuvo la oportunidad de conocer a Isabel Behncke en “El Ser Creativo”, el III Congreso de Mentes Brillantes, que se celebró en Madrid los pasados 6 y 7 de Noviembre. Además de Isabel, también pudimos aprender de otros genios como Ferrá Adriá, Nancy Segal o Jeremy Baka.

Foto. Isabel Behncke. Crédito de la fotografía: Oxford University

Público

via Sexo habitual y matriarcado: las claves para la paz social.

La Memoria y La imaginación


Oro Maria Guimarães Oro Maria Guimarães
Facultad de Educación de Unicamp
La memoria y la imaginación
Este trabajo tiene como objetivo establecer una relación entre las imágenes del recuerdo
(Cinematográfica, pictórica y literaria) y la educación en un intento de proporcionar al educador
para investigar las posibilidades de apoyar la narrativa de las imágenes ofrece una (re) creación
la memoria y la (re) construcción del conocimiento.
Para abordar el tema de la memoria imaginativa se volvió a Walter Benjamin y su
concepción de la historia.
Según Walter Benjamin (1984), el mundo está en las piezas y la historia
se parece a un montón de ruinas, es imposible para el hombre para recuperar la
unidad perdida. ¿Qué le queda? La salvación es para recoger las “piezas”, para no
redescubrir el pasado como lo fue a buscar, pero lo que ha sido olvidada y tapada
por la violencia de los grupos en el poder. Dedicar tiempo a las ruinas es la creación de otra memoria
no la historia oficial.
La historiografía oficial del pasado evoca recuerdos rigen por la activación de un
temporalidad solo eventos, orden lineal para que la gente
sólo recuerde el conocimiento jamás se ha hecho, los acontecimientos han hecho ya y que presente un modelo de
que dicta las normas de conocer y de actuar.
Crear otra memoria que no es el recuerdo de los poderosos (y no se acuerda o
recordar) el pasado. Surge aquí, un recuerdo que surge de la imaginación de la discontinuidad
la vida y nos ayuda a entender quiénes somos.
La memoria imaginativa vuelve a abrir nuestro pasado no recordar la cronología
de los acontecimientos que han marcado nuestras vidas, sino para encontrar allí las huellas
que el tiempo se ahogaba, pero que este intento de unir y dar instrucciones, aunque sea provisional
y efímero.

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En lugar de seguir repitiendo lo que hemos hecho en el pasado, podemos recuperar el
sentido inaudita, de historias que no se podía contar y así romper el
continuidad lineal de una historia oficial que se impone a todos nosotros. ¿Qué puede hacer la represión
la posibilidad de ver, poco a poco y no se pierden en la indiferencia de nuestros ojos.
Este es el lugar donde el deseo de inscribir un futuro diferente, es el
momento en el pasado puede ser reconstruido a partir de una memoria creativa, es decir,
una experiencia que nos devuelva la práctica de contar e inventar incluso nuevos
historias se pueden crear nuevas relaciones socioculturales con ellos y dar vida
la comunidad.
El lenguaje alegórico, de acuerdo con Benjamin, da a los hombres no la oportunidad de
reparación de la “unidad perdida”, pero unirse a las fracturas de acuerdo con las nuevas direcciones. Cuando el
artista utiliza la alegoría, es decir, los fragmentos que marcan la separación de lo real, es
En busca de nuevas leyes, aunque sea provisional y efímero. Para Jeanne Marie Gagnebin
(1994), el lenguaje alegórico para no decir nada de lo que se pretendía, nace y renace
Sólo escapan a esta constante de un solo sentido. Su fuente de manantiales mucha tristeza
causada por la ausencia de un solo sentido, la libertad de inventar nuevas leyes
nuevos significados transitorio y efímero.
Re-imaginando la escuela: el cine, la literatura y la pintura
Según Bachelard (1990), no nosotros, pero imagino que que las imágenes
imaginarnos. La imagen no tiene un referente más allá de sí mismo, se le da y sólo puede ser
percibido por el acto de imaginar.
Imagine por Hillman (1988) y también para Bachelard, es ver, oír, sentir
a través de una imaginación que libera a los acontecimientos de su comprensión literal. Se sospecha
de ser dado por sentado, objetivo oficial. Las imágenes, el cine, la pintura,
en los textos, tiene un significado de la cultura. Las imágenes nacen de
conexión entre las imágenes que vienen de fuera (mundo) y las imágenes creadas por
la imaginación del hombre o de una expresión apreciada por Arlindo Machado (1997), su
“La casa del cine”.

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Estas son las imágenes que alimentan la imaginación y dar rienda suelta a la labor creativa.
Estas ideas me llevan a pensar que la escuela requiere de un lugar imaginario, es decir, un espacio
donde podemos situar a los estudiantes, profesores, personal, sistema burocrático, las instalaciones,
la arquitectura en términos de imágenes que ellos tienen y el gatillo que.
Para Hillman (1988) re-imaginar el mundo se lo reconozca como imágenes. Ver
las imágenes de la educación es hacer que sea alegre, emocionalizada.
Para hablar de la creación de imágenes, sobre todo en las escuelas, como
recurrir a lenguaje cinematográfico, literario y pictórico, como una de las formas de
construcción del conocimiento y la crítica de la cultura. El aprendizaje de estas lenguas es aprender a
ver las cosas en los códigos de nuestra cultura y el potencial de lo que significa que ellos llevan.
Si, como Pasolini (1990), hacer una película requiere ver las cosas, yo digo
viendo que es también parte de este look. Conocer los recursos técnicos que se
directores pueden utilizar para ver cómo la película se construye y cómo sus imágenes
afectar la producción de una estética.
Sabemos que el ser parte de la industria cultural, la película debe cumplir con los
los intereses del mercado del entretenimiento recuento de los acontecimientos en un
programa de educación visual que cumpla con las presiones de los productores y los valores
grupo que se instala en el poder.
La secuencia de escenas se construye para hacer que el público recuerde la historia
lineal, permanecer en él, es decir, que no trasciende los valores de la estructura repetida
fílmicos. La imaginación pierde terreno debido a que el montaje se realiza de tal velocidad que no
le da tiempo al público para poner su historia. En este caso, lo que sucede entre bambalinas es
manipulado por el director de la película junto la metralla en la catequización, en silencio. Él
interpreta las imágenes y los clips desde la perspectiva de aquellos en el poder, o si desea
Benjamin, la “historia de los vencedores.”
Al mismo tiempo, la película también tiene un potencial de libertad. Nosotros
películas donde las escenas son más largas (plan de largo secuencia de cortes y entre los
escenas (asamblea) más lento, el tiempo se extiende y el espectador puede abrir su imaginación
en varias imágenes.

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Si la comprensión de las imágenes no es lo que ves, pero en los intervalos
entre una escena y otra, la libertad de crear significados que van aparece, o que
“El silencio visual”.
Por lo tanto, hay películas en las que el paso entre las escenas, porque la tensión entre
la historia como la memoria y los sentimientos y la historia personal como la memoria y los sentimientos
colectivos. Existe una importante oferta que le da al público la oportunidad de
crear y recrear sentidos. Por lo tanto, ver una película es, como Adams (1999), se
involucrados en el proceso de recrear la memoria.
Estas películas suelen tener lo que Pasolini (1982) señala cómo un
estructura que quiere ser diferente, es decir, el deseo de construir dentro de sí un
otra estructura que puede ir subvertir la narrativa cinematográfica.
En las películas que tratan temas relacionados con la violencia, por ejemplo, parte de la historia
en un momento crítico, puede ser un crimen, un asalto, una traición. Posteriormente, el
escenas muestran cómo la venganza va a suceder. El teatro, las películas básicas
convencionales, se limitará a venganzas personales, las reglas morales que definen la “buena”
y “malos”. Sin embargo, hay películas que, a pesar de su estructura dramática, se
cruzaron en un momento de la tragedia. En la tragedia, la historia no va
infaliblemente a una solución antes de que haya una tensión entre los consejos de los dioses
y los hombres, entre el grupo y la gente en el poder entre el individuo y lo social. En la tragedia,
cansado del drama personal y gire a la historia de los grupos de
la humanidad.
Para Adams, estas películas permiten trascender las “caricaturas” porque el
estereotipos se desharán y el público a reconstruir los roles de los personajes. A
salir de la historia lineal de la película a nuestros mitos, tratando de dar instrucciones
los fragmentos dispersos que la película ayuda a organizar.
Los espectadores, por ejemplo, “El Odio”, del director Mathieu Kassovitz, recuerda el largo
apertura de la película. Durante unos cinco minutos, utilizando el plano-secuencia de tiempo, el cineasta
manejo de la cámara con el fin de aportar lo más posible de los personajes y
objetos que están siendo destruidos. El público sigue los movimientos que van desde
actores a los objetos y viceversa. Este aspecto del juego, logrado por el efecto de una

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técnicos y acompañado por el sonido de un contraste de reggae a las escenas de violencia contra
presentado, hace que el espectador ve la presencia de un fuerte sentido
que impregna el motín, un motín en el pueblo.
A medida que la película trabaja con estereotipos de las emociones, los directivos recurren a
las formas de gestos históricos y culturales, la mirada, las relaciones con los objetos, con la
las instituciones. Por lo tanto, hablar de jóvenes y la policía en el conflicto, Kassovitz muestra la
imagen de una multitud de preferencia destruyendo edificios y coches.
De acuerdo con Canetti (1995), la frágil naturaleza de los objetos para estimular la masa
destrucción, convirtiéndola en una multitud desordenada, fuera de control. Una vez
patadas en las puertas y ventanas, edificios, automóviles pierden su individualidad. Les
son los enemigos de la masa. Rompiendo equivalente a la destrucción de una jerarquía que no
reconoce más.
Trabajo películas en el aula es para llevarlos a revivir una imagen de la memoria
creativo, laberíntico, abierto a múltiples posibilidades. Hay una escena en la película “El odio” en
la cámara se detiene Kassovits no la paliza de dos jóvenes por un grupo de
la policía, pero a los ojos de un policía que muestra su desacuerdo con las actitudes
de sus colegas. Cuando, como educador, que apuntan a que la cara, la mirada de la estudiante
Escenas naturalizado como mucha sangre y disturbios, a otro que entra en
tensión con el pasado.
Lo que hicimos aquí fue un intento de mostrar cómo las imágenes aparecen en
el cine y la forma en que puede ampliar la comprensión del mundo, rompiendo conceptos
rígido, fijo, naturalizar y nos llevará en busca de conceptos que funcionan como activos
viven metáforas.
Ahora me gustaría referirme a la poesía como una escritura literaria también es capaz de
germinar nuestra comprensión del mundo y no sólo confirman lo que ya
allí. Bachelard (1990) se refiere a la “imaginación dinámica”, que impulsa la
pensar y lleva a una profundización de nuestra propia existencia.
En un CD de rap conciencia de grupo humano hay una pista titulada “Madre
África “. La carta sugiere las imágenes poéticas de la violencia y el sufrimiento:
“Traídos de Angola (…), engañado

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se vende como mercancía (…)
de mucha lucha, la sangre
de unas pocas victorias
Nuestra madre llora África
Las razones para el cambio
siguen siendo las mismas (…)
para la supervivencia de la población negro “
.
Mediante el establecimiento de un flujo con la memoria, la letra nos lleva a diferentes direcciones,
entre ellos, el pasado, no lo repita, pero volver a crearla para ser libre no es lo que
fue, al igual que, Mircea Eliade (1992). Esta idea se puede encontrar en forma de imágenes
Actualmente, por ejemplo, en las obras de algunos pintores. La referencia se puede hacer a los artistas
que expresan el sufrimiento humano en la faz de la guerra, la pobreza y la explotación. Que tienen,
con la estética de su trabajo, retire a la gente el silencio, objetos, personajes de nuestra
historia permaneció en silencio, asesinados por la violencia destructiva de los grupos en
poder
La famosa serie “Los desastres de la guerra” (iniciada 1810), de José
Francisco de Goya y Lucientes, de la aristocracia española escandalizó al mostrar cuerpos
desnudos, mutilados, descuartizados, colgados, atrapados en los árboles. Estas son las imágenes que
denunciar la devaluación cruel del hombre sin títulos, sin pasado y destruir todo lo que
que pueden dar la ilusión de armonía en una sociedad de reyes y príncipes, nobles
ajenos al mundo que les rodea.
Los grabados de Goya interrumpir la visión pasiva de un orden que se presenta
como supuestamente natural, de hecho, el objetivo de la historia oficial y unirse a la
fragmentos silenciado, omitido por el poder de dar voz a la “historia de los vencidos”.
Las escenas de atrocidad denunciar la crueldad de la guerra que no sólo vivió
por los españoles durante la ocupación francesa, sino también de todos frente a otras
para la humanidad.
Otro artista sensible con el tema de la guerra fue Pablo Picasso.
En el “Guernica” (1937), describe la masacre de mujeres y niños en la guerra civil
Española. Los gritos, gestos de dolor, el horror se muestra a las víctimas afectadas de
sorpresa. El choque de negro, blanco y gris crear un partido entre lo que ve y

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que está en las sombras, la amenaza constante de la vida humana. La figura del toro, que
aparece a la izquierda de la imagen, nos recuerda el mito del Minotauro, el monstruo con el cuerpo
humano y cabeza de toro que destruye vidas.
En “La mujer que llora” (1937), Picasso retoma los bocetos de Guernica, y
amplía las funciones (hecho en la esquina inferior izquierda) de la madre con su hijo muerto en
los brazos. La mujer está sola, rodeada por la emoción del duelo.
Una cara distorsionada, fragmentada, atormentada refleja en colores chillones. En
alrededor de la boca y la zona de los dientes se centra en una pintada de azul y blanco, revelando una
dolor extremo, como se sugiere en Guernica. En el centro de la pantalla, se ve la forma de un pañuelo que
Mujer muerde y se reunieron desesperadamente las lágrimas de sus ojos y
puntas de los dedos se convirtieron en lágrimas también. Perfil y mostrar entrelazadas delante
ojos y las cejas desplazados y rotos por el dolor.
Cuando los estudiantes muestran el cuadro “Guernica”, que ve en la imagen en sí un
forma de conocimiento. “Guernica” no sólo ilustra el tema de la ocupación nazi, o
Cubista de la escuela, porque cuando se llega a la imaginación del observador, el trabajo muestra que hace
imaginación que van en las imágenes que son la modulación de amplificar el horror de la guerra,
la violencia urbana, de todas las masacres que han afectado a la humanidad.
Es sorprendente la actitud de los jóvenes y niños que se colocan delante de la
Picasso la pintura en el Museo del Prado en Madrid. Permanecen aquí durante mucho tiempo,
mirando desde lejos, de cerca, agacharse, cerrar los ojos. Sus profesores deben tener
que ofrece este contacto, explicó todos los elementos de la composición artística de la obra, pero
que nunca se sabe las consecuencias de estas miradas, no pueden en cadena dentro de
una lógica, las marcas de estas imágenes.
Influencia de Picasso, Portinari se inició una serie de pinturas, sorprendiendo a los
con las expresiones públicas brasileñas de tristeza y angustia que van a impregnar el
estas figuras en sus obras.
En “retirantes” (1944), la oscuridad que aparece en el cuadro llama la atención sobre la
la miseria, a los huesos que se propagan a la planta de los cuerpos esqueléticos. El horizonte,
bajo el cielo azul aparece, pero los migrantes regresan a él.

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En el “Café” (1935), el color predominante en la pantalla es de color marrón, removiendo los cuerpos a la tierra
de color rojo. La enorme y los pies firmemente en el suelo sugieren la búsqueda y lucha por la tierra. No
cielo, sin horizonte, pero un flujo interminable de los trabajadores bajo el régimen autoritario
el capataz.
Los cuerpos y la memoria imaginativa
Ser educador hoy es la búsqueda de lo visible que está oculto en el lenguaje de las imágenes. Que
imágenes de los estudiantes traen al leer un texto, ver una película, una lección de física
Química, Biología, escuchar música, admirar un cuadro de arte, reflexionar sobre un
noticia?
El significado de las películas, los textos, los sujetos no están en forma literal
tal y como aparecen, pero en los espacios intersticiales, entendida como los lugares donde fuera
las imágenes se pasean libremente los caminos en relación con las actividades que designan los próximos
de la institución.
Hablamos de los cuerpos que se expresan en el cine, la pintura, la poesía. Cuerpos
sufrimiento, que reconocen la pérdida, pero al ser visto y re-imaginado por
observador reinventar nuevas imágenes, gestos y palabras. Me referiré ahora a la sala de
en el aula, tratando de pensar en los cuerpos que lo ocupan. Lo que estos cuerpos hablan? ¿Qué imágenes
que aportan a nosotros? Las condiciones en que son como seres humanos?
Algunas pinturas de George DEEM (1993), que representa a las aulas
habitado por personajes de otros artistas, me ha ayudado a re-imaginar el mundo público
dentro del cual cada uno de nosotros vive, va en busca de nuestras historias, mientras que
profesores y estudiantes.
En la escuela “Hopper”, entró en la atmósfera de las ciudades únicamente, los personajes
anónima, aislada de las ventanas, cuya distancia entre sí y que llevan el visor de
marco de referencia para mirar dentro de sí.
Desentrañar esta imagen de Deem, son las tres figuras femeninas
“Hopperianas”, destacó. Uno de ellos pertenece a la “Mañana en un gran ciudad” (1944).
La mujer desnuda delante de una ventana de expresar una intimidad que debe ser
protegida. Su mirada va a un rincón de la habitación en la que el observador no tiene

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acceso. La parte oscura de la estructura aísla el carácter del mundo exterior, donde
podemos ver un día claro sin nubes.
En “Once horas de la mañana” (1926), el espectador no tiene en cuenta lo que encuentra
como su cara. Nos mantiene a raya y sólo tienen acceso a una parte de lo que
del suceso.
También en “Noctámbulos” (1942), no sólo a las mujeres como los hombres presentes en el
escena no está solo. El camarero no mirar a la gente, pero la diferencia entre ellos. Lo mismo
sucediendo en el “Hotel con un ferrocarril” (1952), en el que los ojos no enfocan un
por el otro.
¿Cuántas veces sentimos que nuestros estudiantes inalcanzable? ¿Cómo apoyar a un solo
parte de lo que sucede en el aula es accesible a nosotros? ¿No sería en el intervalo entre lo que
vemos y lo que no se les da para ver lo que se encuentra el trabajo imaginativo del educador?
En “Escuela de Georges de La Tour”, destacó la figura de “La Magdalena penitente”
(Acerca de 1637).
Con las manos entrelazadas en un gesto de oración, reflexiona sobre su conversión. Apoyo
en el cráneo indica una meditación sobre las cosas materiales, vanos y perecederos. En cuanto a la
espejo aparece tanto en la sombra y la luz de la llama de una vela se refleja en ella.
Esta es una mujer que se siente prisionera de su pasado lleno de placeres,
tentaciones, pero que tiene la visión de futuro, donde pueden encontrar el camino
Nueva vida contemplativa.
Somos educadores de los niños y los jóvenes, los representantes de esta
mundo antiguo, lleno de aciertos y errores. Asumir la responsabilidad de que es, como
Hanna Arendt (1992), tienen la autoridad. Que corresponde a los adultos para mediar entre lo viejo y lo
Una vez más, teniendo en cuenta que el niño está solo en relación a un nuevo mundo que existía
(…) Antes de que (ibid.). De las esperanzas incumplidas del pasado hace que los alumnos
que pasa trae a la mente el deseo de un futuro diferente.
Poder también decir que el joven se enfrenta a dos llamas. A
iluminando el pasado, donde se pueden encontrar las pistas que espera que esto ocurra
que no se realizaron, y el otro, la limpieza de la continuidad de una historia para reanudar la
partes olvidadas del pasado y con ellos el hilo de una historia inconclusa.

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La “Escuela de Modigliani” frecuentados por las mujeres atractivas, delicadas del cuerpo
diferencia de sonido con la normalización del alfabeto y los escritorios alineados en
marco. En 1917, cuando los heridos empezaron a regresar de la guerra, Modigliani
presentan estos cuadros como una especie de “contra-programa” contra el poder
destructor de la guerra y la enfermedad que esta vez le pegaba en serio.
Estas imágenes se han sensibilizado y nos llevan a la idea de Pasolini, uno de los
estructura que quiere ser otro, incluso una educación impregnada de armadura
La ley no puede ignorar los intersticios a través del cual ejecuta las posibilidades de la libertad.
La “Escuela fauvista”, con su entusiasmo vívido, intenso y representar a la
la pasión de esos artistas que se llamó “bestias salvajes”. Evoca aquí el mundo
estudiantes fantásticos y gay. Un mundo de emociones que lo hace aparecer en la Escuela “
Matisse I “, donde el rojo es el color predominante, líneas de contorno van desde
bien y mal definidos, los objetos se encuentran dispersos al azar y el ojo del espectador
se dispersa.
Las aulas se asemejan a las imágenes de este marco. Hay un incompleto
similar a las personas porque yo nunca estoy seguro de los contornos de sus límites.
Según Almeida, Matisse nos obliga a entrar en una alegoría de nuestro propio tiempo que
moverse entre los diferentes puntos de vista. La manera de problematizar? Lo que la superficie
sentido de la historia personal y colectiva de los estudiantes y profesores, aunque no
racional, lineal o poco.
En conclusión
El tratamiento de este trabajo, las imágenes en el cine, la pintura, la poesía no
conteudísticas son interpretaciones simples. Trato de hacer un análisis de las miradas que se
causado por las imágenes visuales y haciendo que nuestra memoria. Hablo un aspecto que
al mismo tiempo se mueven en tiempo, espacio y genera imágenes. Al mostrar la
imágenes, películas, textos, me voy a llevar a los objetos de nuestros estudiantes
sentido potencial de la cultura e históricos, sociales, psicológicos, que llevan. La
“Conteúco” objetos de diseño a, los personajes, la composición de colores que se toman
la vida real y dar sentido a la experiencia humana.

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Lo que trato de hacer un programa visual no es la enseñanza, sino una invitación a la
mira, que proporciona imágenes que permiten a los estudiantes pasar de un mundo ya dado y
conocido por los medios de comunicación y saben mucho más y mejor de lo que están acostumbrados a
leer y reflexionar sobre textos escritos. El extracto de una entrevista con Kassovitz en este sentido
es esclarecedor. Él dice: ¿No es interesante para el espectador diga: ‘Mira lo que pasa, y
muestran que, a continuación, algo violento. Lo interesante es ver lo que cada uno se ve y se
a través de ese punto de vista, aprender lo que piensa (…).
Es una mirada que no juzga ni devora las imágenes que pasan a través de ella,
sino que funciona a ver los conflictos presentes en sus propias imágenes. Por lo tanto, la tarea de
educador es proporcionar los elementos visuales muestran su funcionamiento e indicar el
movimiento de los ojos desde diferentes puntos de vista.
Si las imágenes no van a la escuela a pensar en una imagen de falta, si
una imagen no causa la explosión de otras imágenes, sin imaginación, no
creará conciencia de la realidad
Re-imaginando la escuela es para cubrir los espacios vacíos para crear, recrear en nosotros
el significado del texto, la película de nuestras vidas, nuestros proyectos, lo que hace a la escuela una
lugar rico en idiomas nuevos y creativos.
Con las imágenes y la memoria en constante cambio, dan lugar a varias
direcciones que muestran el desglose de todo el mundo en que vivimos. En lugar de establecer
una continuidad entre pasado y futuro, tratar de entender las imágenes de
ambiente educativo como piezas de la historia que los estudiantes y educadores continuamente
tratar de reunir y dar sentido (s). De este modo, mediante el establecimiento de una relación entre las imágenes del recuerdo
(Cinematográfica, pictórica y literaria) y la educación, tiene por objeto investigar la narrativa que apoya la
proporciona imágenes de la (re) creación de la memoria y la (re) construcción del conocimiento.
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